TITULO: REVISTA FARMACIA - Médicos italianos dicen que los no vacunados tienen 9 veces más riesgo de muerte por Covid ,.
REVISTA FARMACIA - Médicos italianos dicen que los no vacunados tienen 9 veces más riesgo de muerte por Covid , fotos,.
Médicos italianos dicen que los no vacunados tienen 9 veces más riesgo de muerte por Covid,.
Un estudio revela también que los ingresos en las UCI se multiplican por 16 en la población que se niega a que se le administre el suero,.
La nueva variante Ómicron agrava la ya de por sí complicada pandemia de la Covid-19 en el mundo. Una amenaza aún mayor debido a las personas que todavía no se han vacunado contra el virus, lo que aumenta día a día los casos positivos. De hecho, un informe del Instituto Superior de Sanidad de Italia (ISS) ha revelado que el riesgo de muerte es nueve veces superior entre la población no inoculada, mientras que el riesgo de ingreso en cuidados intensivos se multiplica por 16. «En comparación con quien lleva menos de cinco meses con alguna dosis, el riesgo de hospitalización es diez veces mayor», afirman.
El documento recoge que en los últimos treinta días en Italia «hay una mayor incidencia de casos diagnosticados en la población no vacunada». En concreto, su tasa de hospitalización (262 casos por 100.000) «muestra que es unas siete veces superior» a la de las personas inoculadas en los últimos cinco meses (39 ) y seis veces más para quienes tienen la dosis desde hace más tiempo (43).
La mortalidad también cuenta con índices mayores entre las personas que no han recibido aún ninguna dosis. Según el estudio, es entre siete y nueve veces superior. La situación es dramática en el país transalpino. Solo el viernes se contabilizaron más de 9.650 casos positivos y 74 decesos. En total, desde el inicio de la pandemia acumula 4,7 millones de contagiados y 134.077 muertes.
La Ómicron, más contagiosa que las variantes Beta y Delta, ya se ha registrado en casi cuarenta países
La comunidad internacional analiza atentamente el avance de Ómicron. Más de una semana después de que Sudáfrica anunciara su detección, la nueva variante ya ha sido registrada en 38 países. Entre ellos, Estados Unidos, México, España, Alemania, Noruega, Islandia, Australia, Túnez o Singapur. De hecho, en Sudáfrica ya es prevalente y las autoridades sanitarias han informado de un aumento de las infecciones en los niños, aunque se desconoce si hay relación. Un estudio de este país indicó que el riesgo de volver a contraer la Covid-19 es tres veces mayor con esta variante que con Beta y Delta.
Avalancha de restricciones
Desde la aparición de la contagiosa Delta, ahora dominante en el mundo, una variante de la Covid-19 no había causado tanto pánico, con una avalancha de medidas y restricciones de viaje en todo el mundo. Irlanda anunció el viernes por la noche varias medidas, entre ellas el cierre de discotecas del 7 de diciembre al 9 de enero. Brasil ha suspendido las festividades de año nuevo y Alemania ha impuesto fuertes restricciones a las personas no vacunadas, que estarán prácticamente confinadas, como en Austria.
En el país germano la canciller saliente Angela Merkel, que abandonará el poder la próxima semana, volvió a defender la vacunación en su último vídeo. «Se lo pido una vez más, con insistencia, tómense este pérfido virus en serio. La nueva variante Ómicron parece más contagiosa. Vacúnense. No importa si se trata de una primera dosis o de refuerzo. Toda inoculación es útil», afirmó. Esta nueva ola en Alemania es «muy grave» e incluso «dramática» en algunas regiones, donde las unidades de cuidados intensivos están sobrecargadas. «Esto podría haberse evitado. Con vacunas eficaces y seguras, tenemos la solución a mano», insistió.
TITULO:
CAFE, COPA Y Tierra de talento - Andalucía con La Palma ,.
El sabado -4 , 11 - Diciembre a las 22:00 por Canal Sur, foto,.
Andalucía con La Palma,.
Conducidos por Manu Sánchez, Toñi Moreno y Teresa Martín, ambos espacios ponen el broche final a esta iniciativa solidaria que arrancó el pasado 11 de noviembre y que ha contado con 28 de conciertos solidarios por las diferentes provincias andaluzas. Estos especiales tendrán dos grandes protagonistas: la música y la solidaridad. Para lo segundo habrá numerosos llamamientos y conexiones en directo con el call center habilitado para recibir las donaciones, además de una cuenta de Bizum (04085), de todos aquellos andaluces que deseen hacer su aportación económica y demostrar así su solidaridad con el pueblo canario.
Desde las 16:45, y hasta las 19:45, por el plató del magazine ‘Andalucía con La Palma’ pasarán diferentes invitados y se conectará en directo con la isla para contar con diferentes testimonios de quienes están viviendo esta catástrofe en primera persona. El call center, donde estará Teresa Martín, recibirá numerosos rostros conocidos de la cadena como Eva Ruiz, Enrique Romero o Manolo Sarria que colaborarán atendiendo llamadas con el objetivo de recaudar los máximos fondos posibles. Este magazine de tarde contará también con las actuaciones especiales de Falete, Melody o Tamara, entre otros.
El colofón final a esta programación especial 'Andalucía con La Palma' lo pondrá, a partir de las 22:00 'Tierra de Solidaridad'. El jurado habitual del programa compuesto por Pastora Soler, José Mercé, Mariola Cantarero y Jesús Reina ejercerá de anfitriones para dar la bienvenida a los compañeros que pasarán por el escenario para mostrar su cara más solidaria y aportar su grano de arena con la causa. De igual manera, cada uno de ellos hará una actuación especial. María Villalón hará lo propio y estrenará en exclusiva su sencillo ‘Tratado de paz.’ Además se mantendrán conexiones a lo largo del programa con Teresa Martín en el call center.
A lo largo de este especial se vivirán grandes actuaciones musicales sobre el escenario del programa. Vanesa Martin, Abraham Mateo, Edurne, Paco Candela, el Ballet Flamenco de Andalucía o la cantautora, ex concursante del programa, Ángela González, serán algunos de ellos. Dos artistas canarios que también se unirán a este especial para solidarizarse con sus paisanos de La Palma serán el cantautor Pedro Guerra y Nia Correia.
TITULO: Documental - UCI, la última frontera: «Mi reto es volver a caminar»,.
UCI, la última frontera: «Mi reto es volver a caminar»,.
foto / En el Hospital de León la Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) es la última frontera en la lucha contra el Coronavirus SARS-CoV-2 | La mayoría de los pacientes superan una experiencia que, en no pocas ocasiones, resulta límite - 37 días críticos y traqueotomía para doblegar al virus,.
Para quien la ha conocido en primera persona la Unidad de Cuidados Intensivos ( UCI) de cualquier hospital es como un gran mecano. La del Hospital de León, en la misma medida.
Monitor cardiorespiratorio y cardíaco, monitor de presión arterial, oxímetro, respirador, ventilador mecánico, sondas, bombas intravenosas... torres y más torres de datos, líquidos y sonidos que, por un momento, parecen tener una coreografía casi perfecta.
Ese entorno, aparentemente hostil, ha sido el mejor compañero de viaje para Mar durante 37 días. Más de un mes en el que ha luchado contra el Coronavirus SARS-CoV-2 con la tenacidad que a todos se les supone en los momentos más críticos.
Aquella comida familiar
Nunca ha sabido cómo el virus llegó a su vida, ni siquiera el motivo por el que en aquella comida familiar de casi una decena de personas hubo una parte de participantes que terminaron en las garras de la covid-19 y otra que se quedó completamente al margen de cualquier contagio.
A estas alturas a Mar, cuya familia ha autorizado el testimonio evitando el nombre original, nada de aquello importa. Ahora solo mira hacia el futuro.
Primero fue la fiebre y una tos que parecía pegada a sus pulmones. Los primeros días se sobrellevaron en el domicilio hasta que su médico de cabecera aconsejó el ingreso hospitalario a la vista de una evolución negativa.
Del tiempo en el hospital apenas recuerda lo sucedido. Si acaso los 'fantasmas' que la asaltaban en cualquier momento, las conversaciones con personas ya fallecidas y la sensación de vivir una realidad paralela. Su cuerpo estaba en la UCI, embutido por decenas de cables, pero su mente vivía en un mundo totalmente desconocido.
Traqueotomía
Tuvo tiempo para soñar, 37 días exactamente. Ese es el tiempo que se ha pasado en una de las unidades clave del hospital de León. «En un par de ocasiones nos lo pusieron muy mal», recuerda ahora la familia. Tan mal que los equipos médicos decidieron realizarla una traqueotomía. En realidad era el único medio para conseguir que pudiera retornar a la vida, a su vida.
Estuvo en el alambre el tiempo suficiente como para que su entorno pudiera comprender que la pandemia es mucho más de lo que se puede ver en una televisión o en una información periodística. La covid-19, hoy lo saben bien, simplemente «te puede costar la vida».
Los retos
Mar abandonó la UCI la pasada semana. Y desde hace más de un mes ése fue el momento de mayor felicidad que se ha vivido en su familia. Ahora le han cerrado la traqueotomía y ya puede hablar con normalidad.
Habla y tiene sueños, pero de otro tipo. En sus sueños 'de antes' los fantasmas llegaban y se marchaban a cada instante, los de ahora son mucho más humanos: «Mi reto es volver a camina», ha llegado a asegurar.
La covid le ha pegado tan duro que aún no tiene fuerza para coger una cuchara o posar un pie sobre el suelo. No camina y no se vale por sí misma, pero su evolución es tan favorable que en poco tiempo recordará lo vivido como la mayor de sus pesadillas.
Ha tenido suerte porque «la han cuidado como si fuera la hija, la hermana o la esposa de los que están en la UCI». Y el premio final es impresionante: sigue viva y sí, volverá a caminar.
[ En la actualidad el Hospital de León cuenta con un nivel de ocupación del 102% en las UCI 'ordinarias' (46 de 45 camas disponibles, +1). La 'red' de cuidados intensivos se ha elevado con la inclusión de REA y quirófanos hasta alcanzar las 60 camas habilitadas como UCI, que hoy llegan al 75% de ocupación. El 35% de los pacientes que ingresan en UCI terminan falleciendo debido a su situación crítica],.
TITULO: El escarabajo verde - Ovación para 'Memorias de Adriano',.
Ovación para 'Memorias de Adriano',.
La obra inaugura la nueva temporada del Teatro Romano. Dos centenares de espectadores acuden al estreno de la adaptación de la obra de Marguerite Yourcenar en la capital,.
Más de 200 malagueños acudieron anoche al estreno de Memorias de Adriano, la pieza que abría el programa de Teatros Romanos de Andalucía y daba comienzo a la temporada en el coliseo local. Este proyecto, que se desarrolla también en los enclaves arqueológicos de Itálica (Santiponce, Sevilla) y Baelo Claudia (Tarifa, Cádiz), convierte al asistente en un auténtico ciudadano romano del siglo I antes de Cristo. Dan fe los espectadores que anoche vieron la adaptación de la novela de Marguerite Yourcenar a escasos metros del escenario.
Dos horas antes de que comenzara el espectáculo la compañía La Tarasca, al mando de Ramón Bocanegra, encargado de adaptar la novela de Yourcenar y director de la misma, ya estaba encima del escenario. El propósito: repasar el texto. «Es como si fuera nuestro pequeño reino, ya que ensayamos a solas», comentó entre risas Bocanegra, que no paraba de dar vueltas, cigarro en mano, mientras los artistas recitaban la obra de memoria. «Seguramente nos comamos unas chocolatinas o unas almendras, porque no cenamos antes de interpretar la obra», confesó Chiqui García, el artista que da vida al músico imperial. «Toco el setar, una especie de laúd con cuerdas metálicas, un pandero que proviene del mundo oriental, una reproducción de una lira al estilo romano y la guitarra», explicó García, que enseguida se fue a afinar la lira.
«He venido porque la civilización romana es una de mis preferidas y encima tengo la oportunidad de ver una representación en el propio teatro», declaró entusiasmado Rafael Zuazo, un joven malagueño de 12 años. Entre las primeras filas también se encontraban Beatriz Fernández y Sofía Ruiz, madre e hija, naturales de Madrid y ahora de vacaciones en la ciudad. «Ya habíamos estado en el Teatro Romano de Mérida, pero este enclave no tiene nada que envidiarle», recalcó Fernández. Felisa Ramírez y Daniel Ramos, ambos de Málaga, se enteraron por Internet y no dudaron tampoco en comprar las entradas e ir. «Es un plan diferente y la escenografía privilegiada», aclaró Ramírez.
A medida que se iba desarrollando la obra, con una duración en total de 75 minutos, el espectador iba descubriendo la figura del emperador Adriano. Un estadista con principios humanistas. «Ordenaste reducir el número de carruajes y no molestas a tus huéspedes pidiendo que te reciban o te despididan», exclamaba Montse Rueda, en el papel de Plotina.
Otra de las frases reveladoras, esta en boca del veterano Roberto Quintana, el protagonista, también hizo una idea al público de cómo era este hombre: «Somos funcionarios del Estado y no césares». Pasadas las 23.30 horas, la compañía concluyó la función. Todos los allí presentes despidieron a los artistas entre aplausos y vítores. Esta compañía había conseguido hacer que el público viajarara en el tiempo y llevarse con ella a los espectadores que ocuparon asiento ayer en el Teatro Romano de la capital.
TITULO: Días de cine clásico - Cine - Superman ,. , Miercoles - 8 ,15- Diciembre ,.
Este Miercoles -8 , 15- Diciembre a las 22:00 en La 2 de TVE, foto,.
- Reparto
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Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene Hackman, Margot Kidder, Ned Beatty, Jackie Cooper, Glenn Ford, Trevor Howard, Jack O'Halloran, Valerie Perrine, Maria Schell, Terence Stamp, Phyllis Thaxter,.
- Desde una galaxia remota, un recién nacido es enviado por sus padres al espacio debido a la inminente destrucción del planeta donde viven. La nave aterriza en la Tierra, y el niño es adoptado por unos granjeros que le inculcan los mejores valores humanos. Con los años, el joven se irá a Metrópolis y allí usará sus poderes sobrenaturales para luchar contra el mal.
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TITULO: Un país para escucharlo - Quien perdio el plato ,.
Un país para escucharlo,.Este martes-7, 14 - Diciembre , a las 23.00 por La 2, foto.
- Quien perdio el plato,.
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Con motivo de la representación de clásicos teatrales en el patio del instituto Juan del Enzina de León, dentro del Festival Cuna del Parlamentarismo, organizado por la Concejalía de Acción y Promoción Cultural del Ayuntamiento de León, La tinta entre tus dedos mantiene un encuentro con Iñaki Juárez (Versión y Dirección de El retablo de maese Pedro. Teatro Arbolé), Jorge Barrantes (Actor de El licenciado Vidriera. Karlik Danza Teatro), Antonio Campos (Dramaturgia e Intérprete de La Celestina. Albacity Corporation) y Ricardo Iniesta (Dirección y Dramaturgia de Rey Lear. TNT Atalaya). Os invitamos a conocer a estas cuatro compañías teatrales a través de sus respuestas a nuestras preguntas:
1. ¿Cómo se presenta…?
- TEATRO ARBOLÉ: Nació en Zaragoza en 1979. Somos una compañía de teatro de títeres. Somos titiriteros. En 1990 abrimos un teatro en los bajos de un edificio en Zaragoza, pero en 2008 trasladamos la sala de exhibición al Parque del Agua Luis Buñuel. En 1993 comenzamos una labor editorial para publicar textos de títeres que se concreta en tres colecciones. En 2009 abrimos la Escuela de Teatro para iniciar en el lenguaje del teatro de títeres a niños y jóvenes. Nuestra programación es fundamentalmente para niños (todos los fines de semana) y, de forma ocasional, se hacen ciclos para adultos de música, danza, etc.
- KARLIK DANZA TEATRO: Es una compañía que surge en 1991, reside en la Nave del Duende en Casar de Cáceres. Cristina Silveira es la Directora y David Pérez es el Productor. Cristina ha tenido una labor importante en Extremadura en el mundo de la danza: se ha impregnado de muchos cursos a nivel internacional, tuvo una unión muy importante con el teatro del silencio en Francia del chileno Mauricio Celedón. De ahí surgieron sus proyectos más internacionales por Chile o México. Karlik está de gira en la actualidad con las obras: El licenciado Vidriera, María Zambrano, Autorretratos de pluma y espada, El lago de los cisnes y Coppélia. Karlik significa «duende» en ruso por esa labor de darle el alma hacia aquello que se crea en una búsqueda del arte más allá de lo establecido y de la esencia. Trata al espectador de inteligente, no le sirve en bandeja lo que va a ver.
- ALBACITY CORPORATION: Somos la Compañía La Trilla, fundada en 2004 por mí, Antonio Campos, y la productora es Albacity Corporation.
- TNT ATALAYA: Atalaya es la compañía, TNT es el centro. En 2023 cumpliremos cuarenta años. En este tiempo, Atalaya ha recorrido cuarenta países y más de seiscientas ciudades de todo el mundo con un total de veinticinco representaciones diferentes. El centro TNT tiene veintisiete años de historia en el que se ha puesto en marcha el Laboratorio Internacional, el Teatro TNT, cuya apertura tuvo lugar en 2008. Conjuntamente, hemos recibido el Premio Nacional de Teatro, el máximo galardón de las artes escénicas.
2. Dentro de la riqueza de nuestra Literatura, ¿por qué la elección de estas obras clásicas?
- TEATRO ARBOLÉ: Para todo titiritero el capítulo de Maese Pedro es fundamental, no solo como clásico universal. Teniendo en cuenta lo poco que hay de teatro de títeres, que Cervantes nos hubiese dedicado un capítulo tan importante como ese, a todos los titiriteros «nos toca la fibra». No obstante, acostumbramos a trabajar con textos literarios adaptados, más que de nueva creación. Sentimos adoración por Cervantes, igual que por el Retablillo de San Cristóbal, de Federico García Lorca, máxime en una profesión tan vilipendiada como es la de titiritero. Todas estas cosas que dignifican nuestro oficio siempre nos han llamado la atención. Nos iniciamos con el Romancero y las alusiones que había a don Gaiferos para luego centrarnos en El Quijote. Tenemos dos espectáculos: este y el de Mi primer Quijote, destinado a niños pequeños.
- KARLIK DANZA TEATRO: Parte de Diego Ramos, el escenógrafo, que trabaja en el Desván teatro, una compañía de Domingo Cruz, que encarga a Karlik una coproducción. Surge la propuesta de El licenciado Vidriera, una obra cervantina muy narrativa. Es el motor que llega al imaginario de Karlik: cómo el personaje tiene esa transición tan importante hasta convertirse en un hombre de cristal o de vidrio. La Directora parte de eso: del cambio de personaje, de alma, del paso una lucidez extrema y que no está tan separada de la realidad actual. Se ve a un personaje que lucha por honrar la vida de sus padres a través del estudio y se encuentra toda la educación experimental que te pueda dar la vida hasta llegar a la muerte.
- ALBACITY CORPORATION: Elegimos a La Celestina por dificultad, es la obra cumbre o referente, interpretada además por un solo actor.
- TNT ATALAYA: Rey Lear es el «Everest» del Teatro Universal, como obra cumbre de Shakespeare. Es una obra que ha estado proscrita durante siglos por el mensaje que tiene contra los poderosos y en defensa de los oprimidos. Recoge todo lo que mostraban sus anteriores obras como Hamlet o Macbeth.
3. ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación?
- TEATRO ARBOLÉ: Es relativamente fácil la adaptación de El retablo de maese Pedro, fijándonos en los puppies sicilianos actuales. Lo hemos hecho con ese mismo tipo de muñecos, sencillos, que no necesitan gran manipulación. La dramaturgia ya estaba hecha, pero introducimos a Cide Hamete que lleva tanto tiempo buscando las aventuras de El Quijote que ha preparado, junto con otro comediante, la obra que representamos.
- KARLIK DANZA TEATRO: En sus inicios tuvo como ayudantía a Pedro Luis López Belloch y partieron de esa base, con el flamenco también de Alberto Moreno, para ver cómo podían adaptar esta narrativa a una seguidilla o un romance. Ello le confiere originalidad a esta adaptación.
- ALBACITY CORPORATION: La Celestina es muy rica en la psicología de los personajes, los escenarios múltiples, las acciones paralelas... Trabajamos de forma muy minimalista: sin escenografía. Una vez leída la obra, pudimos embarcarnos en estudiar a los eruditos que habían analizado La Celestina, como María Rosa Lida, que llegó a deducir que es una obra que Fernando de Rojas leía a sus amigos y ellos mismos iban aportando intervenciones, por la cantidad de estilos que contiene. Partiendo de esto, la esencia de la obra es dramática. Es un modo de trabajo muy plástico: el director a veces es actor y viceversa. El texto está abierto: todos los días en los ensayos se intenta poner en pie lo que hay escrito, pero luego va mutando, fruto de esa improvisación. Decidimos que la escenografía también tenía que mutar con las acciones de los personajes: con tres volúmenes, el actor, es decir, yo mismo, va configurando la casa de Celestina, la de Melibea, la de Calisto o el jardín... El escenario va cambiando con el verbo, con la propia acción. Es importante diferenciar todos los personajes con movimientos cercanos a la Comedia dell Arte sin llegar a lo grotesco. Hay un elemento esencial, que es una capa con la que trabajamos, que nos sirve para configurar también el vestuario de cada personaje. Llevamos años perfeccionando esta fórmula: la de que un solo actor represente a todos los personajes. En la obra hay, a su vez, tres capas en la interpretación: Antonio Campos, como tal; el narrador y el resto de personajes. Así podemos romper la cuarta pared y «hacer cosquillas» al público. Es una tragicomedia, pero somos conscientes de que con la risa entra mejor la letra. Además, actualizamos los textos al público del siglo XXI.
- TNT ATALAYA: Acercarse a una obra como Rey Lear requiere de una preparación de décadas. Hace años repartía papeles de Rey Lear en talleres literarios, pero es la primera vez que me he atrevido con una actriz como Carmen Gallardo, dada la monumentalidad del personaje de Rey Lear. Si este texto es la obra cumbre, el personaje contiene tantos matices que significa un personaje universal. Si Bertolt Brecht decía que «el círculo contiene infinitos puntos», Rey Lear contiene infinitas posibilidades.
4. ¿Qué otros elementos se combinan con la palabra y qué aportan estos?
- TEATRO ARBOLÉ: Introducimos el Romance de Melisendra, que lo convertimos en canción, y partes de otros pasajes de romances de Gaiferos. Hay mucha acción.
- KARLIK DANZA TEATRO: En los espectáculos se ve a un intérprete, más que a un actor o un bailarín, en un intento de aunar un trabajo colectivo. Se coloca al artista en su límite de expresión para ver el esfuerzo creativo. En Karlik se ve todo lo que no está escrito en Cervantes. Es el espectáculo total.
- ALBACITY CORPORATION: La música es el elemento que aporta el ritmo y da emoción a la palabra. José Luis Montón, el guitarrista, y yo como intérprete nos hemos hermanado sobre el escenario. Toca por bulerías, soleás, fandangos… Como enamorado del flamenco, mi sueño era decir el texto por palos flamencos y José Luis lo captó desde el primer momento. Si en un escenario te mueves al ritmo, el público no deja de mirar. La guitarra española ayuda en los momentos más trágicos y también en los instantes más cómicos o alegres. No tenemos escenografía, pero tenemos los mejores ambientes para cada situación.
- TNT ATALAYA: Las apariciones del coro son fundamentales. En la obra hay nueve personajes que tienen casi la importancia de un protagonista. Todos los actores, excepto Carmen, interpretan los diferentes coros que, como en la tragedia griega, van sirviendo de eje en torno al espectáculo. Esto permite que el espectador disfrute de la obra a través de los sentidos y no solo del texto. El elemento estético es muy interesante: la escenografía la va cambiando el propio coro, logrando un juego escénico impactante para el espectador. También la música, en vivo y en directo, que determina el proceso emocional del teatro.
5. ¿Qué dificultades conlleva representar la obra en un espacio abierto como es el patio del IES Juan del Enzina en León? ¿Cambia la recepción del público?
- TEATRO ARBOLÉ: Un espacio abierto no supone ninguna dificultad, salvo si hay viento. La obra está montada con muy pocos elementos y los dos titiriteros cambian de personajes a la vista del público. La recepción de la obra cambia sobre todo por las condiciones extremas climáticas. En los espacios cerrados el público se sumerge aún más en la historia de lo que le estás contando que cuando es un sitio al aire libre.
- KARLIK DANZA TEATRO: Es un reto en una obra tan poética: hay muchos detalles íntimos que pretendemos que lleguen a todos los rincones de un espacio abierto para que la palabra de Cervantes se proyecte lo más nítidamente posible y, sobre todo, el cante flamenco. La recepción del público cambia totalmente: el actor tiene que utilizar su voz como un instrumento según el lugar al que vaya y, por ello, afinarlo según el lugar de representación. Cualquier espacio, tras pasar la cuarentena, lleno de gente, bienvenido sea; es un regalo.
- ALBACITY CORPORATION: Siempre nos ha gustado la dificultad. En realidad, esta es la esencia del teatro. El cómico de la media legua trabajaba de esta manera. Partiendo de esta idea, el actor en sí, remontándonos a los tiempos de Molière, invita al escenógrafo, al iluminador, al figurinista… a su fiesta. Si no hay actor, no hay hecho teatral. Con la anterior crisis, para poder abrirnos camino, nos dimos cuenta de que necesitábamos ser muy versátiles, llevando nuestro ingenio hacia unos niveles insospechados. Por otro lado, es mucho más difícil captar la atención del público en un espacio abierto. Es un «cuerpo a cuerpo» donde has de llamar su atención desde el primer momento. Es verdad que los espacios abiertos ofrecen a veces lugares singulares, lo que también es un aliciente tanto para el espectador como para el intérprete. En León hay sitios idílicos «donde las piedras hablan», hay un espíritu y una energía latentes donde suceden cosas que es imposible que en otros espacios sucedan, cosas que quedan adheridas a las obras y posibilitan su crecimiento y enriquecimiento.
- TNT ATALAYA: Un espacio abierto tiene inconvenientes como la climatología. Hace dos años tuvimos que suspender la representación en León, con esta misma obra, a los tres minutos de iniciarla. Ese es el principal riesgo que existe. También se pierde un poco de intimidad. En cuanto a la recepción del público, son diferentes maneras, pero complementarias. Depende del gusto del espectador.
6. En el caso de El retablo de Maese Pedro, de TEATRO ARBOLÉ:
- ¿Cómo son los ensayos o la preparación de una obra de títeres? Se produce una fascinación entre lo vivo y lo no vivo, entre lo que se representa, que te lleva directamente a la infancia. Siempre empezamos con la argumentación, seleccionamos los títeres y luego definimos la técnica para realizar la dramaturgia, pues ya sabemos lo que le podemos pedir al muñeco.
- ¿Por qué los títeres siguen interesando al público actual? El teatro de títeres ha tenido un crecimiento exponencial en los últimos tiempos y, sobre todo, lo vinculado al teatro para niños. El éxito que ha tenido el teatro de títeres se debe a que es un intermediario entre los adultos y el niño, pues cuando naces lo primero que te ponen al lado en la cuna es un muñeco. Tradicionalmente, el teatro de títeres no era para niños, pero es una de las maneras de acercar el teatro clásico a los más pequeños para despertar su curiosidad.
- ¿El teatro es un espejo que refleja nuestra posición de marionetas? Ser títeres no puede tener una connotación negativa, pero los títeres han gozado de una libertad mayor que la de los actores. Ojalá todos fuéramos títeres.
- ¿Por qué el espectador ha de ver El retablo de maese Pedro, de TEATRO ARBOLÉ? No sabría qué deciros, pero es fundamental porque el teatro de títeres es el teatro de la síntesis. Nos acercamos a El Quijote desde los títeres que nos lleva también a la farsa, como géneros populares. Una manera más de llegar a la obra de Cervantes.
7. En el caso de El licenciado Vidriera, de KARLIK DANZA TEATRO:
- ¿Cómo se prepara Jorge Barrantes, el intérprete? Es muy importante la predisposición, el personaje ha de tener un recorrido antes de empezar la obra y cuando terminan los aplausos del público. La predisposición se crea a través de música e imágenes personales que me lleva a la lucidez de Tomás Rueda. Con ello hago un brebaje que me sirve de entrenamiento para salir a escena. El teatro parte de lo físico para llegar a la emoción. En una creación improvisas, con unas circunstancias iguales a las del personaje. Por ello, subir a un escenario, para mí, es un ritual. Tengo un monólogo final de lucidez de Tomás Rueda que declamo sobre una fila de libros, y estoy en constante conflicto para poder seguir trabajando y no acomodarme. Eso es Karlik.
- ¿Por qué sigue plenamente vigente esta Novela ejemplar? Siempre hay algo que contar. Para una compañía que no es textual puramente, al final, vas recogiendo palabras y esencias: «La necesidad casi precisa de hacer todo aquello que notaba y mal me parecía», dice Tomás Rueda, mi personaje. Es una obra muy mitológica y muy futurista a la vez. Realmente, ese licenciado Vidriera, símbolo de lucidez y sinceridad total, la sociedad necesita clasificarlo como loco, aunque le hagan caso: eso es muy similar a lo que ocurre hoy día con las redes sociales. El licenciado lucha contra la gente que lo ha juzgado y que viven en la ignorancia absoluta. Él es considerado loco: «Pensad que todo lo que digo como loco lo voy a decir como cuerdo»; y nadie le hace caso. Actualmente, o vas a favor o en contra de algo, hay una minoría silenciosa, todos nos sentimos vulnerables.
- ¿Qué reacción busca Karlik Danza Teatro en el espectador? Transmitir la esencia de la obra. Llegar a comprender toda la obra no es el objetivo de la compañía. Pero hay una sensación común de sentir que el espectador ha vivido el viaje emocional. Busca empatizar con el trabajo que implica llevar a escena una obra así.
- ¿Cómo se forma a un público en las artes escénicas? Primero se forma yendo al teatro. Nadie sale indiferente cuando ve El licenciado Vidriera, sobre todo el valor del trabajo, el sacrificio, el conflicto en el actor, su alma a la hora de interpretar un personaje… El espectador eso lo ve y lo agradece. Y con esta obra es cierto que solo recibimos agradecimientos. Entre los jóvenes hay que fomentar mucho ese ritual de llevarlos a la sala de teatro para contagiar esas ganas, sobre todo, desde la pedagogía.
8. En el caso de La Celestina, de ALBACITY CORPORATION:
- ¿Es un reto para un solo actor interpretar tantos papeles diferentes? El reto con tiempo se ha convertido en menos reto, pues hemos ensayado sin tanta presión, derivado de la situación de confinamiento.
- ¿Por qué unir literatura y flamenco? ¿Qué se obtiene como resultado de esa fusión? Hay una simbiosis y una catarsis profundas. En este sentido, dicen que hemos creado un estilo nuevo o, al menos, una manera distinta de ver los clásicos de forma sencilla y efectiva. Hemos «democratizado» los clásicos. Las dos candidaturas a mejor actor en los Premios Max con El Lazarillo y La Celestina, «te deja morder la manzana en los carteles», y junto con el Premio Rojas de Toledo que compartimos con Rafael Álvarez El Brujo, han sido un honor.
- ¿Qué nos sigue enseñando La Celestina en el siglo XXI? Nos enseña todo. Estamos acabando una etapa a punto de iniciar otra y esto te lleva a reflexionar sobre cuestiones como la dificultad de cambiar de época: Melibea es una protagonista que se mueve en las dificultades de su propio sexo y del qué dirán, siendo la única sincera y el alma de la obra. O el personaje de Celestina que refleja la lucha constante del ser humano con la naturaleza. ¡Qué mejor momento que una pandemia para ensalzar esta realidad! La naturaleza te muestra que apenas eres una sombra de la nada. Se pueden extraer tantísimas lecturas: avaricia, pasiones, envidia… El Siglo de Oro nace verdaderamente con La Celestina.
- ¿Por qué el espectador ha de ver esta versión de La Celestina? Porque nunca antes se ha visto un planteamiento similar, tan alejado a lo que se ha estado haciendo teatralmente hasta hoy. Hemos hecho una fórmula que hay que ir a verla para entender por qué ha tenido este recorrido y esta repercusión, aquello que nos confiere el sello de calidad de nuestra compañía.
9. En el caso de Rey Lear, de la compañía TNT ATALAYA:
- ¿Nuestra vida es sueño o es locura? Las dos cosas. Donde empiecen y terminen, no hay límite, tal y como lo trazó Calderón. Rey Lear sueña y llega a la locura, hasta el punto de decir «qué mundo este donde los locos guían a los ciegos». Un poco de locura nos puede llevar a soñar y a un mundo mejor.
- ¿Qué trasfondo de Shakespeare sigue teniendo vigencia? Su obra es plenamente actual. Hay un momento en el que Rey Lear dice: «Poderosos, sentid como sienten los miserables. Que acabe la injusticia del mundo». Eso lo dice un rey que ya no tiene la corona. «Ojalá en este país un rey que ya no tiene la corona lo dijera…». Necesitaríamos más la locura de un Rey Lear.
- ¿Las nominaciones a los premios ayudan a seguir apostando por el teatro clásico? Son anecdóticas. El mejor alimento es el encuentro con los espectadores, el aplauso del público, el llevar el teatro por todo el mundo: ese es el mejor premio.
- ¿Por qué el espectador ha de ver Rey Lear, de TNT ATALAYA? Porque es el Big Bang del Teatro Universal. Lo que tiene Rey Lear no lo tiene ninguna obra. Hemos recibido buenas críticas y los premios avalan nuestro espectáculo.
10. ¿De qué manera se puede formar a un público en las artes escénicas?
- TEATRO ARBOLÉ: La forma más directa es a través de la educación. A la escuela le pedimos todo, pero, fundamentalmente, dándole una oportunidad a este tipo de teatro de títeres. El público se forma yendo al teatro y las campañas escolares contribuyen a ello, acercando a los niños a la sala de teatro, para que aprendan la liturgia del teatro.
- KARLIK DANZA TEATRO: Porque tiene el conjunto total de lo que al público le puede gustar: música, flamenco, lo ritual. Tiene mucha verdad y empatía con lo que está pasado y, sobre todo, porque hay un esfuerzo sobre el escenario para comprender realmente cómo es el trabajo del actor y poder saber que uno puede dejarse vivir durante una hora como uno quiere y como uno puede llegar a ser.
- ALBACITY CORPORATION: A los jóvenes hay que explicarles qué es el teatro y por qué se hace o qué ha hecho el teatro en nosotros. El ser humano es lo que es porque el teatro lo lleva intrínseco: la necesidad de contar una anécdota y que el que te escuche se la imagine. El teatro hoy en día es lo único que se sale de lo digital, es lo único real y es el arte que más se parece al ser humano. El teatro quiere al mejor público, aquel que se interesa por las compañías, que se interesa por el elenco artístico, que sabe de su recorrido, como vosotras. Comicidad y actualidad son elementos indispensables para hacerle ver al público lo fresco y las enseñanzas de un clásico.
- TNT ATALAYA: Hay que ver mucho teatro en vivo y en directo. El teatro no se puede ver en Internet o a través del móvil. Es el único evento que queda que se tiene que ver en directo. Eso es lo primero que tienen que llevarse los jóvenes y experimentar sensaciones que no se experimentan en ninguna otra faceta de la vida humana. «El teatro tiene que producir ansias de un mundo mejor», como decía Genette, y tiene que generar interrogantes y producir catarsis y emociones en el espectador.
