TITULO: Metrópolis - Tendencias con un capítulo dedicado al Arte y la Ecología ,.
El lunes - 19 ,26 - Mayo , los lunes a partir de las 00:30, en La2, fotos,.
Tendencias con un capítulo dedicado al Arte y la Ecología,.
Coincidiendo con su 40 aniversario, ‘Metrópolis’ lanza una nueva serie titulada Metrópolis Tendencias, una colección de programas temáticos que analizan, a partir de su extenso archivo, algunas de las corrientes más relevantes que han marcado el arte contemporáneo en las últimas décadas. Esta iniciativa nace con el propósito de ofrecer una lectura crítica y transversal de los discursos que han transformado el panorama artístico reciente, poniendo en valor la memoria audiovisual de ‘Metrópolis’ como una herramienta para interpretar el presente.
El primer episodio, ‘Arte y ecología’, indaga en el papel del arte frente a la emergencia climática, reuniendo obras, proyectos y exposiciones que plantean nuevas formas de relación con el medioambiente y promueven una conciencia ecológica.
El arte como conciencia medioambiental
En las últimas décadas, el arte contemporáneo ha dado un giro significativo hacia la reflexión en torno a la crisis ecológica y la revisión de la relación entre el ser humano y la naturaleza.
Impulsados por la aproximación a un punto de irreversibilidad de la degradación de los ecosistemas, resultado de la explotación desenfrenada del medio natural, numerosos artistas han enfocado la emergencia climática desde la denuncia y la concienciación hasta la exploración de nuevas formas de coexistencia, y la proyección de un futuro más sostenible.
A Leaf Shapes The Eye (Daniel Steegmann Mangrané)
Pioneros en arte y ecología
El recorrido comienza con obras pioneras de los años setenta y ochenta que introdujeron el discurso ecológico en el arte contemporáneo. En ‘Time Landscape’ (1978), Alan Sonfist proponía la restauración de ecosistemas originarios en el centro de Nueva York. Mientras, en Europa, Joseph Beuys vinculó arte, ecología y acción política en su intervención ‘7000 Robles’ (1982) para la Documenta 7, sembrando árboles como gesto de transformación social.
En paralelo, diversas mujeres artistas exploraron la conexión entre cuerpo y naturaleza. Fina Miralles cuestionaba los límites entre lo humano y lo natural mediante procesos de transformación y desaparición en su serie ‘Translaciones’ (1973). Por su parte, Ana Mendieta dejó la huella de su cuerpo en el paisaje en obras como ‘Silueta Series’ (1973-1980), evocando rituales primitivos y subrayando la conexión espiritual entre el ser humano y la tierra.
‘Translaciones: Mujer-árbol’ (Fina Miralles, 1973)
Nuevas miradas contemporáneas
La herencia de estas artistas resuena en creadoras contemporáneas como Glenda León, quien rinde homenaje a Ana Mendieta en su pieza ‘Respira’ (2002). La relación entre la Tierra y el Universo, entre el ser humano y el medio ambiente, entre lo natural y lo artificial, entre lo micro y lo macroscópico, ha sido una constante en el trabajo de la artista cubana a lo largo de toda su trayectoria, como en la instalación ‘Mecánica Natural’ (Bienal de La Habana, 2009).
Joan Jonas, pionera del videoarte y la performance, ha centrado sus obras más recientes en la fragilidad del entorno natural. En ‘Reanimation’ (2010/2014), se inspira en la novela Under the Glacier (1968), del Nobel islandés Halldór Laxness, para denunciar los efectos del cambio climático.
Transoxiana Dreams (2011) de Almagul Menlibayeva
Con una poética visual que entrelaza mito y devastación, Transoxiana Dreams (2011) de Almagul Menlibayeva, retrata los paisajes desolados del antiguo mar de Aral, hoy convertido en un desierto salino tras la desaparición de la industria pesquera local.
El arte del residuo
Frente a un mundo dominado por el consumo masivo, numerosos artistas encuentran en los materiales reciclados un medio de expresión y denuncia. Desde las poéticas imágenes de Chris Jordan de vertederos y desguaces como ‘Crushed Cars’ (Tacoma, 2004), hasta las piezas de Daniel Canogar, que nos sitúan en un mar inundado de residuos plásticos en obras como ‘Vórtice’ o ‘Marea’. Son los nuevos paisajes de la basura, como el que plantea Donna Conlon en la pieza ‘Urban phantoms’ (2004), donde, frente al skyline de Ciudad de Panamá, trozos de basura se apilan para construir una nueva ciudad.
ECO-VISIONARIOS (LABoral Gijón, 2019)
Comisariada por Karin Ohlenschläger, esta exposición exploraba las conexiones entre biosfera y tecnosfera a partir de doce propuestas artísticas. Algunas de ellas, como ‘CO2GLE’ (2014) y ‘DEFOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOREST’ (2016) de Joana Moll, evidencian el impacto ambiental de nuestra actividad digital, desde las emisiones de CO₂ generadas por cada búsqueda hasta la deforestación que sería necesaria para compensarlas. Otras piezas, como ‘MOSSPHONE’ (2018) de Vanessa Lorenzo, plantean una escucha activa de la naturaleza a través de especies bioindicadoras como el musgo, capaces de registrar sutiles cambios en su entorno.
Bienal de Shanghái 2018: Proregress
La Bienal de Shanghái 2018, bajo el título Proregress, comisariada en parte por María Belén Sáez de Ibarra, propuso una reflexión sobre las cosmopolíticas del bosque donde destacaron obras como ‘Forest Law’ (2014), de Ursula Biemann (Suiza) y Paulo Tavares (Brasil), que estudia una serie de juicios revolucionarios celebrados en Ecuador tras reconocer los derechos jurídicos de la naturaleza; o ‘The Great Silence’ (Cabello/Carceller, 2014), que plantea la paradoja de buscar vida en el espacio sin haber escuchado antes a las especies con las que compartimos planeta.
‘Forest Law’ (2014), de Ursula Biemann (Suiza) y Paulo Tavares (Brasil),
Naturaleza y espiritualidad
La obra de Daniel Steegmann Mangrané explora los vínculos entre lo vivo y lo inerte, entre naturaleza y artificio. ‘16 mm’ (2007–2011) recoge su primera inmersión en la selva brasileña, mientras que en ‘A Dream Dreaming a Dream’ (2020), una pantera virtual recorre ese mismo entorno a través de un sueño generado por inteligencia artificial.
Hacia un arte del bioceno: Bienal de Cuenca
La Bienal de Cuenca (2021) celebró su XV edición bajo el lema Bienal del Bioceno, dirigida por Blanca de la Torre, apostando por el concepto de Sumak Kawsay o "buen vivir".
Destacan allí obras como ‘Concierto para el Bioceno’ (2020) de Eugenio Ampudia, donde un teatro vacío acoge un público de plantas, y las acciones de Regina José Galindo, centradas en la defensa del territorio.
Mientras, Juan Zamora, con su proyecto ‘Symbiotic Interactions’ (2017), ofrece un enfoque híbrido entre arte y ciencia para imaginar relaciones de colaboración entre especies.
Futuros especulativos ante la crisis climática
La necesidad de imaginar futuros posibles frente a la crisis ecológica centra el último bloque del programa donde se recuperan algunas piezas de exposiciones como Ciencia Fricción (CCCB, 2021) —que proponía alianzas interespecie inspiradas en la ciencia ficción— y Motores del Clima (Laboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón), que explora el papel de la actividad humana en el cambio climático.
El programa se cierra con un fragmento de la película ‘The path is never the same’ (Oliver Ressler, 2022), una poética pieza que retrata la vida de los activistas que, desde 2012, habitan las copas de los árboles en uno de los bosques más antiguos de Alemania para impedir su destrucción por la industria del lignito.
The path is never the same’ (Oliver Ressler, 2022),.
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DIAS DE TOROS - Canal Sur Televisión retransmite la segunda semifinal del Circuito de Novilladas de Andalucía desde Motril
Canal Sur Televisión retransmite la segunda semifinal del Circuito de Novilladas de Andalucía desde Motril,.
Se lidiarán reses de la ganadería de Gabriel Rojas para los jóvenes novilleros Cid de María, Javier Zulueta y Carlos Tirado.
foto / Canal Sur Televisión emite este sábado, 10 de mayo, en directo, la segunda semifinal de la sexta edición del Circuito de Novilladas de Andalucía, impulsado por la Fundación Toro de Lidia y la Junta de Andalucía. La cita será este sábado, a partir de las 18:15 horas, desde la localidad granadina de Motril.
Los protagonistas de la tarde serán los novilleros Cid de María, Javier Zulueta y Carlos Tirado, que se enfrentarán a un encierro de la prestigiosa ganadería de Gabriel Rojas.
La narración estará a cargo del periodista Enrique Romero, con el análisis y los comentarios del maestro Ruiz Miguel. Desde el callejón, Noelia López ofrecerá entrevistas y detalles en tiempo real para acercar al espectador todo lo que ocurre en el ruedo.
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Retratos con alma - Andrzej Wróblewski, el pintor de las dos caras,.
La periodista Isabel Gemio regresa a la televisión para presentar 'Retratos con alma', el nuevo programa producido por RTVE en colaboración,.
Lunes - 19 , 26 - Mayo a las 22:40 horas en La 1 / fotos,.
Andrzej Wróblewski, el pintor de las dos caras,.
Las dos caras de la creatividad,.
- El Reina Sofía trae por primera vez a España la obra del artista polaco
- Está considerado como un mito en Polonia y denunció el horror de la guerra
- En sus cuadros combina en los dos lienzos arte abstracto y realista
El artista Andrzej Wróblewski (Vilnus,1927, Tatry,1957) es una figura legendaria en Polonia por su compromiso político, y un autor valorado como clave en el relato de los traumas de la posguerra europea, aunque en nuestro país su nombre es prácticamente desconocido.
Los expertos achacan este anonimato al haber sido considerado Wróblewski como “incómodo” por la temática de su obra, y difícil de clasificar por la forma de expresarla.
El pintor pergeñó parte de sus creaciones por los dos lienzos de cada cuadro, es decir, anverso y reverso; en una cara, la representación es abstracta y evoca a menudo un mundo ideal, en la otra, expresa con arte figurativo o realista, a su particular modo, el horror de la ocupación nazi en Polonia.
El Museo Reina Sofía de Madrid nos acerca en primicia al lenguaje único de este artista cuya breve carrera (falleció a los 29 años en un accidente de montaña) es patente en numerosos autores del presente.
La pinacoteca madrileña presenta la muestra “Andrzej Wróblewski. Verso Reverso”, en colaboración con el Museo de Arte Moderno de Varsovia, la Fundación Andrzej Wróblewski y el Instituto Adam Mickiewicz, en la primera gran retrospectiva del autor fuera de Polonia (Palacio de Velázquez, Parque del Retiro, Madrid, hasta el 28 de febrero de 2016).
Andrzej Wróblewski. Verso / reverso
El uso de las dos caras en las pinturas no es casual y forma parte de una experimentación creativa que mantuvo a lo largo de su corta vida, en la que bebió de las fuentes del surrealismo y se desveló como un maestro en el uso simbólico del color. En apenas una década concentró un legado de 200 pinturas y 800 trabajos sobre papel.
Su método anverso versus reverso encarna una especie de sistema en el que ambas representaciones se contradicen y a la vez se complementan, como si de alguna manera ofrecieran dos soluciones a dos problemas. Esta opción recoge el eco de una época violenta que Wróblewski quiso desgranar fruto de su compromiso humano y contrario a la política dictatorial.
En este sentido, la exposición, que en su montaje permite por primera vez al visitante observar los lienzos por ambas caras en un itinerario no lineal, recibe al público con algunos ejemplos de la serie "Ejecuciones", sobre escenas brutales de la II Guerra Mundial, como los fusilamientos de civiles polacos por los nazis que el pintor copió de fotografías.
Estas aterradoras estampas de su faceta realista entroncan con temáticas similares de ejecuciones mostradas por Picasso o Goya, y diseccionan con detalle el sufrimiento provocado por la guerra; por oposición, su reverso ofrece luminosas abstracciones geométricas de un sesgo positivo.
'Hombre ejecutado por la Gestapo', en el reverso 'Abstracción biológica' ,.
Dos caras que se contraponen y se complementan
Aunque los lienzos se contraponen también se hacen eco uno del otro, en un juego en el que participa la visión del espectador. Es el caso de la desgarradora Hombre ejecutado por miembro de la Gestapo / Abstracción biológica, en el que el cromatismo de ambas caras está dominado por tonos azules, un color que simboliza la muerte en las obras de Wróblewski.
Al mismo tiempo, el autor polaco asocia la muerte a la abstracción, de la misma forma que el nazismo había deshumanizado a los judíos a través de los campos de exterminio en el que los nombres de las víctimas se sustituían por números abstractos.
“En épocas de conflicto es muy difícil tomar decisiones y él lo que hace es mostrar estas dos facetas de su arte y estas dos maneras de representar: una, la abstracción, en la que muestra una sociedad positiva y la otra es la cruda realidad de la guerra y su reflejo en el Holocausto. Él nunca se inclina por ninguna de las dos y deja este trabajo al espectador”, explica en una entrevista con RTVE.es, Marta Dziewanska, una de las comisarias de la exposición que señala que el arte del polaco está más presente que nunca recordando la violencia de los recientes atentados de París.
El pintor también logró transmitir la intensidad del sufrimiento mostrando figuras humanas brutalmente deformadas y desgarradas en pedazos bajo una paleta de azules que se van oscureciendo, en imágenes desasosegantes.
El artista tuvo la habilidad de situar su obra a caballo entre la abstracción y el arte figurativo, un delicado equilibrio que combina la invención de las formas con escenas de la vida cotidiana en las que exploró los límites de la degradación humana.
Paulativamente, Wróblewski, que en ciertos momentos comulga con el realismo impuesto por el régimen socialista con obras en las que muestra a conductores de tranvía que guían a la humanidad hacia un futuro mejor (1949-1955) , retornará hacia la abstracción total al percibir que el arte figurativo no es suficiente.
No obstante, sus cuadros de aquel periodo tampoco contaron con la plena bendición de las autoridades comunistas debido a que su estilo no era “suficientemente optimista”.
La muestra del Palacio de Velázquez-donde todos los domingos hay visitas guiadas gratuitas en la exposición- nos acerca en 150 obras al particular universo de un pintor inclasificable y ambiguo que supo moldear su propio idioma, y estaba firmemente convencido de que un artista debe implicarse en la creación de un mundo nuevo.
Tal y como ha señalado en la presentación de este martes en Madrid el director del Instituto Wróblewski de Polonia: "El arte cambia a las personas, y éstas cambian el mundo. Así, el arte cambia también el mundo".
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